Bhabha Williams en David Kordansky Gallery

Huma Bhabha and Michael Williams, Bhabha Williams (vista de la instalación) (2023). Imagen cortesía de los artistas y  David Kordansky Gallery. Foto: Jeff McLane.

A primera vista, Bhabha Williams en la David Kordansky Gallery era una desconcertante reunión de dicotomías: escultura y pintura, abstracción y figuración, orgánico y sintético, fluorescente y grisalla. La exposición de dos personas presentó a las figuras de corcho, espuma y hueso de Huma Bhabha posadas como tótems frente a las pinturas abstractas “puzle” de Michael Williams. La exposición se complementaba con obras en papel de ambos artistas, lo que permitió una mirada más profunda a sus respectivos estilos y métodos. Las desviaciones y fisuras entre la producción de ambos artistas parecían ser el punto de partida de la exposición. En lugar de un deseo de unificar su contenido, la exposición expresó complejidad y diferencia con ternura y aceptación. Esta receptividad se extendió a las obras individuales, que abrazan la variedad y la variación, creando unidad sin ocultar tensiones internas.

La exposición, titulada sin rodeos con el apellido de cada artista, abarcaba las tres salas contiguas de la galería. En la primera, la atrevida presencia de las esculturas de Bhabha se adentraba en los procedimientos secretos de las pinturas abstractas de Williams. Los materiales primarios utilizados para construir las figuras —corcho y espuma de poliestireno— adquirían una falsa sensación de peso gracias a los esgrafiados de sus superficies oscurecidas y engrasadas. Balken (2022), una figura humanoide de escala más o menos humana, tiene la presencia impávida de la madera o la piedra sin labrar, pero la espuma azul que queda a la vista en la cabeza de la figura transmite una secreta vulnerabilidad tras la apariencia de fortaleza. Por el contrario, los cuadros de Williams —gracias a las gotas de pintura dispersas cuidadosamente contenidas por contornos blancos— tienen a menudo la cualidad distante y atmosférica de vislumbrarse a través de una lluvia suave. Su proceso, que consiste en pintar sobre impresiones fotográficas de inyección de tinta, destila legibilidad y relatividad espacial en una esencia elusiva guiada por una lógica interna desconocida. En Crying Watercolorist [Acuarelista llorón] (2022), el resultado es un denso paisaje, tal vez interior, compuesto por montones de piezas de rompecabezas apagadas salpicadas por fragmentos de verde y naranja eléctrico.

La segunda y más grande galería estaba más comprometida con la figuración que la primera, cargando la sala de energía de confrontación: retratos en 2–D de Bhabha y de artistas trabajando realizados por Williams estaban rodeados por más esculturas figurativas de Bhabha. Sus obras Untitled [Sin título] sobre papel (todas de 2022) estaban dibujadas con gestos amplios y trazos garabateados en tonos psicodélicos. Con ojos dobles y ojos dentro de ojos, los sujetos alucinados proyectan hacia el exterior su delirio exteriorizado. Las figuras de Williams, por el contrario, están preocupadas, estudiando detenidamente sus propias obras de arte. En Studio/Office [Estudio/Oficina] (2022) cambia la abstracción por una escena surrealista. Un artista hecho de líneas garabateadas con un largo falo garabateado en el brazo pinta con diligencia, con un único ojo de gran tamaño concentrado. Alrededor del artista, una figura similar a un Buda dibujada con rotulador de colores y un hombre barbudo con largas pestañas dibujado con bolígrafo negro están representados cada uno en un estilo único. Mientras que las figuras de Bhabha mantienen una presencia expansiva y de confrontación, y los artistas trabajadores de Williams poseen un enfoque interior neurótico, cada uno de ellos está formado por una serie de elementos que funcionan juntos para transmitir una lógica idiosincrásica.

Para ambos artistas, este remiendo de elementos se ve acentuado por el hecho de que ninguno se preocupa por ocultar las costuras. Según el ángulo desde el que se mire, la obra cambiante de Bhabha Pilot [Piloto] (2022) parece una esfinge o una figura reclinada. Un rostro mal definido está tallado a ambos lados de su cabeza: uno tiene la mirada de un voyeur inquebrantable, el otro la de una deidad indiferente. Esta dualidad encuentra una resonancia sorprendente cuando se sigue la mirada hacia delante de la escultura hasta Paired Puzzles with Interpolation (Studio/Courthouse) [Puzles emparejados con interpolación (Estudio/Juzgados)] (2020–22) de Williams, un cuadro puzle formado por dos lienzos unidos interrumpidos en el centro por un estrecho tercero deslizado entre ellos. El trozo de lienzo está pintado en aproximadamente (pero no del todo) la misma paleta de colores fucsia, oliva, naranja y azul que los otros dos, trabajando tanto para conectar como para interrumpir el contenido generosamente fragmentado de las dos mitades más grandes. Aunque el Pilot de Bhabha y los Puzzles emparejados de Williams no podrían ser más distintos estilística o materialmente el uno del otro, comparten una tierna aproximación a sus respectivos medios en la que la gestalt del producto final no anula los componentes individuales.

A lo largo de Bhabha Williams, la gran variedad de enfoques conceptuales y materiales de la obra de ambos artistas nunca trató de conciliarse en una visión singular. Por el contrario, cada obra reflejaba las inevitabilidades existenciales que tan a menudo confunden y desconciertan una realidad vivida que insiste en la complejidad. Compartiendo espacio, Williams y Bhabha permitieron que coexistieran múltiples realidades sin ser reduccionistas, sugiriendo una aceptación consciente de la diferencia que inspira una forma de ser más utópica.

Esta reseña se publicó originalmente en Carla número 32.

Reuben Merringer is an L.A.-based artist, writer, and educator. His work explores liminality through the development of novel processes, utilizing the languages of painting, photography, sound, and video. He teaches at ArtCenter College of Design.

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