Katherina Olschbaur en Nicodim Gallery

Katherina Olschbaur, Gravitation [Gravitación] (2021).  Óleo sobre lienzo, 94.5 x 78.75 x 2 pulgadas. Imagen por cortesía de la artista y de Nicodim Gallery. Foto: Lee Tyler Thompson.

La reciente exposición individual de Katherina Olschbaur en la Nicodim Gallery, Live Flesh [Carne viva], tomó como punto de partida la mitología griega, lo que dio a la muestra un toque tradicional. El hecho de que los antiguos mitos griegos prevalezcan como piedras de toque culturales relevantes es cofundador y, sin embargo, de alguna manera, fundamentador. Como escribe Charlotte Higgins en Greek Myths: A New Retelling, estos mitos “siguen siendo verdaderos para nosotros porque… tratan, en definitiva, de la dura realidad y los hechos básicos de la condición humana”¹. A pesar de nuestros modernos avances en tecnología, cultura y política, la condición humana ha perdurado más o menos desde Sófocles. Vivimos, amamos y morimos.

A pesar de su lealtad a estas viejas y probadas narrativas, las pinturas de Olschbaur divergen, encontrando su base en las libertades creativas, los esquemas y las reinterpretaciones juguetonas que la artista se toma —los lugares en los que se desvía de los clásicos—. Con trazos radiantes, atrevidos degradados y un enfoque gestual y alegre de la figuración, Olschbaur transforma a los dioses griegos y a los sujetos de la historia del arte, añadiendo toques de verde lima a las mejillas y brillantes sombras de ojos de rubí a los párpados. Los personajes mutan, adoptando nuevas personalidades, mientras viajan en el tiempo para acicalarse junto a figuras notables de otras épocas e historias —los mitos griegos y las composiciones de la época del Renacimiento se fusionan y hacen un guiño al canon de la historia del arte—. Y aunque las pinturas destilan una reverencia por las historias religiosas, artísticas y culturales que copian, también rechazan sin reparos el rígido enfoque de la historia sobre el género y la sexualidad, ofreciendo en su lugar una mezcla desenfrenada que altera el pasado para imaginar un futuro más fluido.

La obra que da título a la exposición, un gran díptico titulado After Venus and Adonis (Live Flesh) [Tras Venus y Adonis (carne viva)] (todas las obras de 2021), hace referencia a la historia de los dos amantes predestinados. En el mito, Adonis es un galán y Venus (la diosa del amor) se enamora de él sin poder evitarlo. Algunos relatos presentan a los dos como amantes consentidos (véase Ovidio), mientras que otros describen a Venus como una perseguidora implacable y agresiva (como en la versión posterior de Shakespeare). Al final, Venus tiene una premonición de que Adonis va a ser asesinado por un jabalí mientras está cazando, y se produce su porcina muerte. Consternada, Venus maldice el amor para toda la humanidad: “El amor sufrirá a partir de ahora”, escribió Shakespeare de forma dramática ². Al convertir la historia de Ovidio sobre el deseo mutuo en una sobre la persecución no correspondida, Shakespeare jugó abiertamente con las normas y convenciones de género: la representación de Venus como perseguidora agresiva excluía, sin duda, cualquier actuación de género recatada y pasiva³. Olschbaur se apoya en esta fluidez. Su cuadro se inspira en la famosa composición de Tiziano: Venus está sentada en el centro, de espaldas al espectador, intentando agarrar por la fuerza a un joven Adonis, que se lanza al ataque, con los perros a cuestas, dispuesto a cazar. Sin embargo, en la versión de Olschbaur, tanto Venus como Adonis tienen espaldas fuertes y anchas y miembros redondeados al estilo de Léger. Mientras que el pene de Adonis brota de su taparrabos, los adornos de Olschbaur —su rostro fuertemente contorneado, sus pendientes, sus exuberantes mechones y sus altos y arquea dos tacones de aguja— presentan una versión más femenina de nuestra musa.

Este enrarecimiento juguetón se extiende a lo largo de toda la exposición, ya que Olschbaur introduce un poco de catolicismo de la época del Renacimiento con alas de ángeles errantes y rayos de luz celestial. Además de Tiziano, Olschbaur toma composiciones (y a veces títulos) de Girl with a Pearl Earring [La joven de la perla] (1665) de Vermeer y de Venus (1485–1486) de Botticelli, incorporando poses de acicalamiento que recuerdan a Les Demoiselles d’Avignon [Las señoritas de Avignon] (1907) de Picasso o a Olympia (1863) de Manet. Sin embargo, la muestra de los cuadros es tan amplia que el elenco de personajes emergentes se desdibuja y se convierte en formas totalmente nuevas e imaginadas. En Angels and Avatars [Ángeles y avatares], un rostro femenino brota de la ingle de la figura central, con los ojos cerrados en señal de éxtasis —tal vez una Venus imaginada cuya pasión arde tanto que su cuerpo se funde físicamente con el de su amante—. En Sub Red [Sub rojo], unas figuras pintadas sin cuerpo se precipitan desde un cielo rojo, con los brazos en alto, mientras dos santos (¿dioses?, ¿humanos?) sujetan a la figura central por la cabeza y las alas. La figura se arrodilla a cuatro patas en señal de sumisión, y sus relucientes piernas moradas se disuelven en muñones que se funden en la rica tierra marrón. Sus alas están cortadas por detrás —¿quizás un cuento de advertencia sobre el castigo divino?—. Picnic of Two Suns [Pícnic de dos soles] es un poco más bacanal. En la escena orgiástica, varias figuras se inclinan hacia atrás, con las piernas abiertas en señal de placer, mientras otras sirven vino, hacen trucos con la espada o, en general, dan vueltas por el fondo. Una figura inclina la cabeza hacia atrás mientras parece recibir una felación de una bandada de gansos. Si bien este tipo de juerga sexual aparece de manera ocasional en la historia del arte, históricamente se ha unido a una especie de advertencia protestante, como en Garden of Earthly Delights [El jardín de las delicias] del Bosco (1503–1515). Olschbaur libera a sus personajes, desatándolos tanto de las rígidas identidades de género como de las amonestaciones morales, desmarcados y desinhibidos frente a las historias farisaicas. 

Al igual que sus referencias, el estilo pictórico de Olschbaur es una especie de mezcla de la fragmentación del cubismo, del movimiento del futurismo y de los colores atrevidos y la bravura del AbEx. Y, aunque muchos de sus cuadros incluyen líneas de horizonte, otros espacios se sienten extrañamente comprimidos y estirados. En Young Hermaphrodite [Joven hermafrodita], una figura desnuda reclinada holgazanea, exhibiendo sus pechos y su pene. Alrededor de ellos, los campos de color mostaza crean un espacio perspectivo suelto y una dura luz blanca se proyecta angularmente en el fondo, definiendo la línea del horizonte y creando un punto focal visual alrededor de los genitales de la figura. Este tipo de trucos pictóricos recuerdan a los antiguos maestros, y hay una sinceridad en la forma en que Olschbaur los pone en práctica, incluso cuando subvierte la sagrada imaginería de los clásicos —las señales de composición tradicionales se refuerzan, mientras que sus colores y degradados juguetones proporcionan un aspecto aplastado casi digitalizado.

Aunque es agradable detectar las referencias en los cuadros de Olschbaur —un poco de Picasso por aquí, una diosa griega por allá—, es más revelador ver en qué se apartan sus narraciones. Al representar temas clásicos y rehacer viejas historias a través de sus personajes revisados, la artista nos invita a un paisaje más liberado y de género fluido. Gravitation [Gravitación] visualiza un importante trasfondo de la exposición: que la actualización de la tradición a menudo impone la ansiedad a la vieja guardia, y la reinvención nunca está exenta de rechazo. En el cuadro, una figura central (una especie de improvisación pervertida de la Lady Liberty [Dama de la Libertad], con el pecho desnudo, peludo y adornado con párpados y labios brillantes, guantes de cuero y zapatos de tacón), camina hacia delante, con ángeles reunidos alrededor de la coronilla. Una pequeña figura femenina pintada a la altura de las rodillas, con un cuerpo blanco y plano y una mirada caricaturesca y preocupada, intenta contener al guerrero, tal vez temiendo lo que le espera. Esta mujer recortada en papel podría ser la vieja guardia, la moralista que sigue las reglas e intenta limitar a la heroína más fuerte y libre. Sin embargo, nuestra heroína simplemente cierra los ojos y avanza, dando una palmadita en la cabeza a la pequeña mujer mientras carga hacia el futuro sin límites.

Esta reseña se publicó originalmente en Carla número 27.

Lindsay Preston Zappas is an L.A.-based artist, writer, and the founder of Carla. She is an arts correspondent for KCRW. She received her MFA from Cranbrook Academy of Art and attended Skowhegan School of Painting and Sculpture in 2013. Recent solo exhibitions include those at the Buffalo Institute for Contemporary Art (Buffalo, NY), OCHI (Los Angeles), and City Limits (Oakland).

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